The Ledger March 2019

März 2019

Das Kompendium

Frauen auf der ganzen Welt erlebten und bewirkten 2018 bedeutsame Veränderungen. Im vergangenen Mai hatten die irischen Wähler ein Mandat für die Legalisierung der Abtreibung in einem überwältigenden Referendum erlassen und im Juni hat Saudi Arabien Frauen genehmigt, Auto zu fahren. Im Oktober wählte das äthiopische Parlament Sahle-Work Zewde einstimmig zur Präsidentin. Das Land wurde — nach Ruanda und den Seychellen — das dritte in Afrika, das sein Kabinett mit mindestens so vielen Frauen wie Männern besetzte. Island hat es verboten, Männern mehr zu zahlen als Frauen, und jedes Unternehmen oder jede Agentur mit mehr als 25 Mitarbeitern muss ein Regierungszertifikat vorweisen, das die Gleichheit der Entgelte belegt (oder es folgt eine Geldstrafe). Die #MeToo-Bewegung hat Arbeitsplätze weltweit umstrukturiert. Frauen in verschiedenen Bereichen erzielten zahlreiche Erfolge, vor allem in den von Männern dominierten STEM-Disziplinen: Das wissenschaftliche Team von Professor Evelyn Teller stellte die ersten im Labor gezüchteten menschlichen Eizellen her. Zhengchu Tan, eine Doktorandin in Ingenieurwissenschaften, hat mit einem Team 3D-gedruckte Gehirn- und Lungenstrukturen erstellt. Natürlich war das Jahr nicht nur rosig, und geschlechtsspezifische Gewalt ist eine allgegenwärtige Plage. Wir halten den Kurs jährlich, indem wir den Weltfrauentag am 8. März und die bemerkenswerten Frauen — von denen einige unten aufgeführt sind —feiern, deren kühne Erfolge für sich sprechen.

Ledger March Secondary 1

 
MENSCHEN

Eine Aktivistin mit lebenslanger Überzeugung und Mut

Dolores Huerta  überzeugte gleichgesinnte Aktivisten und Organisatoren mit „Sí, se puede“ — „Yes, we can“ („Ja, wir schaffen es“) lange bevor Barack Obama den Slogan für seinen Präsidentschaftswahlkampf 2008 übernahm. Mit ihren 88 Jahren ist Huerta eine der wichtigsten Arbeiteraktivistinnen Amerikas und eine mächtige Kraft in der Bürgerrechtsbewegung von Chicano. Sie wurde 1930 in New Mexico geboren und wuchs in Stockton, Kalifornien, auf. Während sie ihren Abschluss als Lehrerin machte, heiratete Dolores, bekam zwei Töchter, ließ sich scheiden und heiratete anschließend Ventura Huerta, einen Aktivisten, mit dem sie fünf Kinder hatte und von dem sie sich schließlich scheiden ließ. Als Lehrerin in den 50er Jahren war sie um die unterernährten Farmkinder in ihren Klassen besorgt und entschied, dass sie ihnen am besten helfen könnte, indem sie sich für bessere Bezahlung und Arbeitsbedingungen für deren Eltern einsetzte. Im Jahr 1955 war Huerta Mitbegründerin des Stockton-Kapitels der Community Service Organization, die Wählerregistrierungsaktionen durchführte. Ein Kollege stellte Huerta dem Aktivisten Cesar Chavez vor und 1962 gründeten die beiden die National Farm Workers Association (später die United Farm Workers' Union/UFW). Im Jahr 1965 organisierte Huerta den Delano-Streik von 5000 Traubenpflückern und verhandelte einen faireren Vertrag. Sie war auch maßgeblich an den landesweiten Tafeltrauben-Boykotten der späten 1960er Jahre beteiligt, die 1970 einen Gewerkschaftsvertrag zur Folge hatten. Als Vizepräsidentin der UFW setzte sich Huerta bis 1999 konsequent für sicherere Arbeitsbedingungen sowie für Arbeitslosen- und Gesundheitsleistungen für Landarbeiter ein. In den 1990er und 2000er Jahren widmete sie sich der parlamentarischen Repräsentation, um mehr Latinos und Frauen in ein politisches Amt zu bringen. Obama zeichnete Huerta 2012 mit der Presidential Medal of Freedom aus. Im Jahr 2018 sagte sie dem Magazin Time, dass die Beendigung von Rassismus, Frauenfeindlichkeit, Homophobie und Bigotterie eine Überarbeitung des Bildungssystems erfordern. „Wir müssen die Beteiligung der farbigen Menschen bereits vor dem Vorschulalter mit einbeziehen, angefangen bei den amerikanischen Ureinwohnern, deren Land wir genommen und… sie niemals dafür entschädigt haben, bis zu den afrikanischen Sklaven, die das Weiße Haus gebaut haben… und dann die Einwanderer, die aus Mexiko kamen und das Land bearbeiteten und die Eisenbahn bauten und dann die Japaner, die Chinesen, Menschen aus Indien, die Latinos, all diese Menschen, die die Infrastruktur unseres Landes bauten... [Wir brauchen] einen großen Riesenradiergummi, [um] die Unwissenheit, die wir gerade in den Vereinigten Staaten von Amerika erleben, auszuradieren.“

Ledger March Second Illustration

 
BESUCHEN

Transformative Reisen in einem Land und dessen Kultur

Arnhem Land ist eine Wildnis in einer nordöstlichen Ecke des australischen Northern Territory, die fast 100.000 Quadratkilometer umfasst und Regenwälder, Schluchten, Klippen, Flüsse und dichtes Buschland sowie eine atemberaubende Küste umschließt, die sich zum Arafura-Meer hin öffnet. Die Yolŋu sind die traditionellen Hüter des East Arnhem Landes. Lirrwi Tourism ist ein Unternehmen, das von Yolŋu geleitet wird und Kurzreisen durch die Gegend veranstaltet, die Besucher mit seiner Topografie, Flora und Fauna vertraut machen und eine komplexe Kultur vorstellen, die mehrere Zehntausende Jahre alt ist. Die beliebte Gay’wu Tour for Women ist eine fünftägige Erfahrung, die ausschließlich kleinen Gruppen von Mädchen und Frauen angeboten wird (größere Gruppen können auf Anfrage untergebracht werden). Benannt nach dem Dilly Bag, einem traditionellen Behälter, der aus Pandanusblättern gewebt und zum Transport von Nahrungsmitteln und Medikamenten verwendet wird — und in einem spirituellen Kontext Wissen —betont die Tour den nährenden Einfluss des Landes, wobei Yolŋu-Frauen großzügig ihr Wissen über „den Busch, die Vorfahren, den Himmel und das Universum“ teilen. Spezifische Aktivitäten sind in Abhängigkeit von den Jahreszeiten geplant und umfassen das Sammeln von Austern und Schlammkrebsen zum Essen sowie das Entdecken lokaler Pflanzen, die in der Buschmedizin verwendet werden. Gäste lernen ebenfalls mehr über die Yolŋu-Verwandtschaft, Philosophie, Astrologie und Kunst und sind eingeladen, an der Yolŋu-Frauen Weinzeremonie (wie in weinen) Nathi teilzunehmen — ein seltenes Privileg für nicht-indigene Frauen. Wie bei allen Lirrwi-Touren werden sie aufgefordert, Uhren und Smartphones zurückzulassen, um besser auf sanftere, fließendere Rhythmen eingestimmt zu sein, die von der Landschaft, dem Klima und dem täglichem Durchgang von Mond und Sonne beeinflusst werden. (Für ausführliche Informationen zu anderen von First Nations durchgeführten Touren in ganz Australien gibt es keine bessere Referenz als das exzellente Welcome to Country  von Marcia Langton, welches letztes Jahr veröffentlicht wurde.)

 
LESEN

Poesie, die tanzt, brüllt und wachrüttelt

Die Dichterin, Wissenschaftlerin, Kritikerin und Künstlerin Rosamond S. King beginnt ROCK | SALT | STONE (Nightboat-Bücher), eine Sammlung von Lyrik, mit einer Neuinterpretation von “My Bonnie Lies over the Ocean“, die sie ausdehnt, um die afro-karibischen Diaspora und die Yoruba-Götter Eshu, Oshun und Ogun miteinzubeziehen. Sie schreibt “Meine Muskelkraft gehört zu den Ogun / mein Blut, es fließt in das Meer / die beiden treffen sich in einem schwarzen Körper / und flüstern du kämpfst, um frei zu sein“. Das Manuskript tanzt durch Afrika, die Karibik und die USA und erprobt Englisch, wie es auf verschiedene Weise gesprochen wird. Die Gedichte sind daran interessiert, was es heißt, sich als Außenseiter zu fühlen, als Einwanderer zu leben, weiblich und queer zu sein. Prosa-Gedichte, Anansi-Geschichten, Zaubersprüche, Yoruba-Legenden, Erinnerungen an Vorfahren, Wolof-Worte und karibische Mundart treten in dieser aufsehenerregenden Arbeit gegeneinander an. Kings Herangehensweise an Mythologie und Geschichte ist sowohl verspielt als auch tiefgründig. Jedes Gedicht existiert gleichzeitig als Druckobjekt und als Moment der Musik, der darum bittet, laut vorgelesen zu werden. Ihre Sprache und Themen erinnern uns daran, dass lebendige Literatur oft sowohl aufregend als auch demütig ist und politische Veränderungen bewirken kann. „Unsere Politiker sollten ins Theater gehen“, schrieb King in The Paris Review. „Sie sollten Museen und Gedichtlesungen sowie Opern- und Tanzaufführungen besuchen. Sie sollten Bücher lesen und Musik hören — und einige davon sollten dazu führen, dass sie sich unwohl und vielleicht sogar unsicher fühlen.“

 
ENTDECKEN

Ganz persönliche Streifzüge in das feministische Befinden

„Emotionen sollten ein Comeback feiern“, sagte die in London lebende, experimentelle Filmemacherin Beatrice Gibson  in einem einem aktuellen Interview in Frieze. „Ich mag es, Filme zu machen, weil ich es mag, ins Kino zu gehen, Popcorn zu kaufen und zu weinen. Ich möchte, dass meine Arbeit das auslöst, und darum hat sie einen hohen Produktionswert.“ In ihren letzten Kurzfilmen I Hope I’m Loud When I’m Dead (2018) und Deux soeurs qui ne sont pas soeurs (Two Sisters Who Are Not Sisters) (2019), erfüllt Gibson diese Ambition und mehr: beide sind aufrichtig, belebend, intim und elektrisierend. Benannt nach einem Gedicht von CAConrad, beginnt I Hope I’m Loud mit einer Aufnahme von Gibson, der eine Panikattacke in der Londoner U-Bahn widerfährt. Wir gewinnen Einblick in ihre Gedanken durch eine Montage schrecklicher Momente (gekenterte Flüchtlingsboote, Grenfell Tower in Flammen) und weicher Szenen (Heimvideos ihrer Kinder an einem windigen Strand und in der Badewanne), die all das symbolisieren, was sie zu verlieren hat. Dann folgen wir Gibson, wie sie sich mit Conrad und Conrads Mentor, der Dichterin Eileen Myles, in New York City trifft. Myles‘ Studio ist voll von seltsamen und hexenartigen Dingen: ein toter Frosch in einem gespreizten Brillenetui, Tarot-Karten für Rituale, die Gedichte erzeugen können, eine Kopie von Thomas Bernhards Concrete. Im Voiceover zitiert Gibson Audre Lorde, Adrienne Rich und Alice Notley, weise und tiefsitzende feministische Stimmen, die einen Brief zusammennähen, den Gibson an ihre kleine Tochter Laizer schreibt und uns verankert, während wir über Gibsons Schulter lauschen. Inspiriert von Gertrude Steins Drehbuch "Two Sisters Who Are Not Sisters" (über Stein, Alice B. Toklas und ihren Pudel, Basket), befasst sich Deux soeurs mit den Freuden und Ängsten der Mutterschaft und der Definition des Zuhauses in einer zutiefst instabilen Welt. („Stein ist die Patin von allem", sagte Gibson zu Frieze.) Die beiden Filme sind Teil der Ausstellung Crone Music — für die verstorbene Pauline Oliveros, deren Musik in I Hope I’m Loud zu hören ist — im Camden Arts Centre in London und läuft bis Ende März. Oliveros, sagt Gibson, „hat den Feminismus mit tiefen Zuhörsitzungen und kollektiver Arbeit zum Ausdruck gebracht… Ich arbeite auf offene Art und Weise, überlasse die Dinge dem Zufall und lasse viele Stimmen dabei helfen, die Arbeit zu konstruieren. Ich interessiere mich auch für den Zitierprozess. Historisch gesehen war die Kunstwelt nicht besonders gut darin, Menschen, Beziehungen oder Dinge zu nennen, die in ein Werk eingeflossen sind. In der konventionellen Filmproduktion sind die Rollen klar definiert und die Leute bekommen Anerkennung für das, was sie tun. Ich denke, so sollte es sein.“

 
THE PARIS REVIEW

Notizen zu einem unbekannten Klassiker des 20. Jahrhunderts 

In der Januar-Ausgabe der monatlichen Paris Review Kolumne „Feminize Your Canon“, verfasst die Literaturkritikerin und Essayistin Emma Garman einen faszinierenden Tribut an die australische Schriftstellerin Eleanor Dark und lenkt unsere Aufmerksamkeit auf Darks übersehenes Meisterwerk Prelude to Christopher, der zweite Roman der Autorin. Im Jahr 1937 wurde das Buch—über den experimentellen Drang eines Arztes zur Schaffung seiner eigenen sozial entwickelten Gesellschaft—als zu intensiv, beunruhigend und eigenartig für die Veröffentlichung in den USA angesehen, obwohl es in Großbritannien und in Australien mit Begeisterung empfangen wurde. Trotz—oder gerade wegen — des Aufstiegs des Faschismus in ganz Europa, hielten amerikanische Verleger die Aussicht, dass eine Frau den Wahnsinn der Eugenik und des biologischen Determinismus aufs Korn nahm für geschmacklos. Prelude to Christopher, eine gotische Geschichte mit einem modernistischen Rahmen, verwebt die Perspektiven und die Erinnerungen von Nigel Hendon, einem Arzt, der bei einem Autounfall schwer verletzt wurde, seiner Frau, seiner Mutter, und der Krankenschwester, die in ihn verliebt ist. Wir entdecken, dass Nigel eine inzwischen ausgestorbene Inselutopie gründete, die nur die Menschen aufnahm, die „geistig und körperlich fit" waren. Das Problem war von Anfang an seine Frau, die bezaubernde, instabile Linda und ihre familiäre Geschichte von mörderischem Wahnsinn. Nigel erlaubte ihr widerwillig, auf der Insel zu leben, weigerte sich jedoch, mit ihr Kinder zu zeugen, damit diese nicht von ihrer DNA befleckt würden, die unter einem schlechten Stern stand. Es ist nicht überraschend, dass nicht Linda, sondern die Prämisse selbst das Experiment zerstört. Das Ehepaar muss von dort an mit seinem schlechten Ruf leben, der für Schlagzeilen sorgt wie „Abscheulichkeiten im Namen der Wissenschaft; Mächte des Bösen regieren auf einer einsamen Insel“. Garmans Werk ist umso aufschlussreicher, als sie Elemente der Lebensgeschichte von Dark aufgreift, die in der Erzählung durchsickern — einschließlich des Nervenzusammenbruchs und des frühen Todes ihrer Mutter sowie der Arbeit ihrer väterlichen Tante als Sexualpädagogin und Eugenizistin. Als der Roman 1934 in Australien veröffentlicht wurde, nannte ihn ein Kritiker „das ausgereifteste Stück Erzählliteratur, das bisher in diesem Land geschrieben und veröffentlicht wurde“. Darks nachfolgende historische Erzählliteratur erforschte die europäische Kolonisation ihrer Heimat und verkaufte sich gut. Dennoch schreibt Garman: „Es ist der mutige Experimentalismus von Prelude, der die künstlerische Zeit überdauert“.

 
UNTERSTÜTZUNG

Eindrücke und Stimmen von Frauen im afghanischen Journalismus

Geschichten und Bilder von afghanischen Schriftstellerinnen, Reporterinnen und Fotojournalistinnen sind in einem Land, dessen strenge Sitten es den meisten Frauen verbietet, mit den meisten Männern zu sprechen, Mangelware. Während die afghanische Presse der Nachkriegszeit etbaliert ist, sind unter 9.000 arbeitenden Journalisten weniger als zehn Prozent Frauen. Die NRO Sahar Speaks zielt darauf ab, das Ungleichgewicht mit einem Programm für Unterricht und Mentorium zu korrigieren, das afghanischen Reporterinnen die Entscheidungsfreiheit verleiht und ihnen die Mittel zur Verfügung stellt, um mutige und genaue Arbeit zu den Themen zu leisten, die sie für wichtig halten. Sahar, ein in Afghanistan allgegenwärtiger weiblicher Name, bedeutet „Morgengrauen“ — und steht für eine neue Ära der Redefreiheit, in der Frauen nicht mehr an den Rand gedrängt werden. Bevor die Organisation 2015 ihre Arbeit aufnahm, gab es keine weiblichen Reporter in ausländischen Nachrichtenbüros in Kabul. Sahar Speaks hat seitdem Dutzende ausgebildet. Das Projekt war die Idee der britisch-amerikanischen Journalistin Amie Ferris-Rotman. Im Juni 2016 wurden multimediale Arbeiten von den ersten 12 Teilnehmerinnen in der HuffPost  veröffentlicht. Im Jahr 2017 hat die Londoner Theatergruppe Palindrome Productions drei Geschichten von Sahar Speaks Alumnae in eine Bühnenproduktion verwandelt. Die Organisation arbeitet mit dem Guardian zusammen, um eine weitere Runde von Geschichten zu veröffentlichen, und Auszubildende haben bei der BBC, Al Jazeera und bei der New York Times Arbeitsplätze gefunden.

 
KINO

Ein facettenreiches, neuseeländisches Juwel 

Waru  (2017) ist das Resultat der Produzenten Kerry Warkia und Kiel McNaughton, die acht weibliche Māori-Regisseurinnen einberufen hat, um eine schmerzhafte, geheimnisvolle Geschichte über ein misshandeltes Kind zusammenzustellen. Jede Regisseurin ist für ein Kapitel verantwortlich — eine ununterbrochene zehnminütige Aufnahme —, das direkt oder indirekt mit der Beerdigung von Waru zusammenhängt, einem Māori-Kind, das wir nie sehen. Langsam beginnen die Kapitel, die sozialen Umstände zu beleuchten, die zu diesem Ereignis geführt haben. In dem ersten Film, der von Briar Grace-Smith inszeniert wird, bereitet eine Frau mittleren Alters namens Charm Speisen für die Teilnehmer der Beerdigung mit einem an die Militanz grenzenden Stoizismus vor. Das Segment unter der Regie von Casey Kaa zeigt die Kindergärtnerin des Jungen, Anahera, die sich an Warus Klassenkameraden wendet, um festzustellen, welcher von ihnen seinen zugewiesenen Platz einnehmen wird. Als Nächstes stellt Ainsley Gardiner eine alleinerziehende Mutter dar, die darum kämpft, über die Runden zu kommen, und der das Geld fehlt, das sie zum Kauf von Gas und Lebensmitteln benötigt. Katie Wolfe zeigt uns eine weitere, überforderte junge Mutter, diesmal eine Sängerin, die im Morgengrauen betrunken nach Hause kommt, um festzustellen, dass ihr Baby allein im Haus eingesperrt ist. Die zentrale Geschichte, unter der Regie von Renae Maihi, findet in der Mitte des Films statt und zeigt die tangi, die Beerdigung. Dort kämpfen die beiden Urgroßmütter Warus, die verschiedene Stammesgruppen vertreten, um den Körper des Kindes. Der Film erweitert sein Spektrum um ein Kapitel, um offensichtlichen Rassismus in einem Fernsehstudio mit einzubeziehen. Unter der Regie von Chelsea Cohen wird eine Māori-Moderatorin gezeigt, die an ihrem Arbeitsplatz mit schockierender Bigotterie zu kämpfen hat und sich dazu entschließt, im Live-Fernsehen offen darüber zu sprechen. In einem ergänzenden Kapitel, das von Paula Jones geleitet wird, findet ein Teenager, Mere, ebenfalls den Mut, sich zu äußern und die Person zu stellen, die sie misshandelt hat. Der letzte Kurzfilm unter der Regie von Awanui Simich-Pene folgt den beiden Schwestern Titty und Bash, als sie auf dem Weg sind, um Bashs Kinder aus einer gefährlichen Situation zu befreien. Wir wissen nicht, wie es enden wird, aber ihre Entschlossenheit ist greifbar. Die innovative Struktur und indirekte, delikate Betrachtung einer belastenden Thematik von Warukreieren einen Spielfilm, der ruhig, unerschütterlich und unvergesslich ist.

 
HÖREN

Komplexe Töne und Texturen, um Musiker und Publikum auf eine Reise zu schicken 

Unsuk Chin  wurde 1961 in Seoul, Südkorea geboren und zog 1985 nach Hamburg, um sich vom ungarischen Schwergewicht unter den Komponisten, György Ligeti, ausbilden zu lassen. Danach zog sie 1988 nach Berlin, wo sie noch immer lebt. Ihre Musik ist unruhig und ikonoklastisch. Im vergangenen Oktober wurde ihr von den New Yorker Philharmonikern eine der prestigeträchtigsten Auszeichnungen für zeitgenössische Musik verliehen, der Marie-Josée-Kravis-Preis für neue Musik (200.000 US-Dollar sowie ein Komponisten-Auftrag für das Orchester). Chin ist wahrscheinlich am bekanntesten für ihr aufwendig wildes Stück Alice in Wonderland, welches die Münchner Opernfestspielen 2007 eröffnete. Lewis Carrolls Sprache wurde von David Henry Hwang für das Libretto adaptiert, während Chins Partitur eine erstaunliche Auswahl an Stilen kombinierte. Ihre notorisch schwierigen Konzerte (für Klarinette, Violine, Klavier, Cello und Sheng — eine üppig polyphone chinesische Mundharmonika) sind ähnlich gestaltet; und die technische Virtuosität, die sie von ihren Solisten verlangt, ist für das Orchester fast ebenso herausfordernd. „Ich bin von Virtuosität angezogen", sagte Chin. „Ein Musiker, der versucht, seine Grenzen zu überschreiten: Das gefällt mir. Es ist eine Situation, die ich als Komponistin immer wieder erlebe: Die Grenzen meiner Möglichkeiten ausloten, nicht zu wissen, ob man es schafft — und dann Erfolg zu haben. Ich erwarte genauso viel von einem Solisten.“ In einem Interview mit der New York Times erinnert sich der finnische Klarinettist Kari Kriikku, für den Chin eines ihrer Konzerte schrieb, gerne an den Ratschlag, den ihm die Komponistin nach der Weltpremiere des Stücks in Schweden gab: „Kling mehr wie ein Vogel“.

 

 

Illustrationen von Audrey Helen Weber

‘Courage calls to courage everywhere, and its voice cannot be denied.’

Millicent Fawcett